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Exposición México Textil.

Semanas  atrás  visite de manera exprés la Ciudad de México para deleitarme con la exposición México textil en el Museo de Arte Popular.

Lo impresionante de esta exposición es la cantidad de textiles e indumentaria histórica del país reunida en un solo lugar, aproximadamente eran 300 piezas y cada una de ellas representando diferentes décadas, regiones y usos.

La primer parte se centra en la sublime indumentaria eclesiástica del siglo XIX de estilo neoclásica elaborada en sedas de terciopelo y brocados, bordadas en hilo de oro y plata.

Casullas de seda del siglo XIX, bordadas con hilo de plata.
Frontal de altar del siglo XIX realizado en terciopelo de seda y bordado en hilo de plata & oro (Esta pieza es propiedad del acervo histórico del país y esta resguardada en la catedral metropolitana de Cdmx)

La segunda y mayor parte de la exposición se centra en la indumentaria indígena, aquí nos explican las diversas técnicas de elaboración, teñido, regiones y décadas de cada una de estas valiosas piezas, así como la evolución que han tenido por medio de re-interpretaciones como las del maestro Ramón Valdiosera y Beatriz Russek.

 

Estas dos fotos son de una impresionante colección de blusas y huipiles, correspondientes a Oaxaca, Chiapas, Puebla, Estado de México y Tlaxcala.

Huipiles pertenecientes a diferentes regiones de Oaxaca y Chiapas.

 

 

Una tabla que explica los diferentes materiales naturales que utilizan para teñir el algodón, la lana y seda, así como las diferentes tonalidades que se obtiene de cada uno.
Colección de Quexquémitl, elaborados con telar de cintura de las regiones de Hidalgo, Puebla, Estado de México y Jalisco.

 

Traje de Acateca, la blusa esta elaborada en satén de seda, con bordados de hilo de algodón, enredo tejido en telar de cintura con bordados de hilo de seda. Fue hecha en Guerrero
Detalle del bordado con hilo de algodón y lentejuela.
Detalle del bordado del enredo.

 

Reinterpretación de un huipil maya por Ramón Valdiosera

 

Bocetos de Ramón Valdiosera para diferentes películas de la época del cine de oro en México.

 

Diseño de Beatriz Russek elaborado en telar de cintura, inspirado en la cosmovisión de Amuzgo.

 

Mi favorito, huipil de Amatlán de los Reyes Veracruz, elaborado en telar de cintura de Algodón con brocado de seda.

 

Espectacular detalle del brocado de seda.

 

Lo impresionante de esta parte de la exposición es el presenciar la diversidad de indumentaria que existe en el país, las diferentes técnicas de elaboración como el telar de cintura y la implementación del telar de pedal a partir de la llegada de los españoles.

La cuarta parte de esta exposición nos explica las re-interpretaciónes  y la adaptación en la actualidad de la indumentaria tradicional, de la mano de diseñadoras como Beatriz Russek, Carla Fernández, Yakampot, quienes se caracterizan por trabajar directamente con las artesanas.

Reinterpretacion de varios Quexquémitl y de huipiles diseñados por Carla Fernández, Yakampot .

La quinta y ultima parte vemos algunos ejemplos de como en la actualidad las grandes firmas de diseñador y el fast fashion  (Pineda Covallin, Carolina Herrera, Zara, Mango, Rapsodia) se han dedicado a plagiar de forma voraz las cosmovisiones de las comunidades indígenas del país.

Blusa de Rapsodia «inspirada» en el diseño de San Antonino Oaxaca, Blusa de Isabel Marant «inspirada» en Santa María Tlahuitoltepec, Falda «inspirada» en los bordados de Tenango de Doria.

Si amas la historia, la indumentaria tradicional y la alta costura, definitivamente te recomiendo esta exposición que estará en el Museo de Arte Popular hasta el 02 de Septiembre.

¡Nos vemos la próxima semana!

Besos vintage, Yohana.

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La historia del fur.

«Este articulo no es para ti, si en estos momentos eres pobre.»

Así inicia del articulo «The fur history 1929» de la revista Vogue, donde se fomentaba en esa década la importancia y uso de artículos de piel animal en ese mismo articulo la revista da el siguiente consejo

«Puedes salir sin joyas, dinero o ropa de diario, pero nunca escatimes en el fur. Porque este revelará a todos el tipo de mujer que eres y el tipo de vida que llevas».

Recordemos que el uso de pieles data desde la antigüedad, cuando era utilizada para cubrirse antes de que el hombre fuera sedentario y pudiera crear textiles, con el asentamiento de los  pueblos antiguos y la creación de textiles naturales, las pieles pasaron a ser uso exclusivo de la alta élite o la realeza siempre como indicativo de estatus ( e incluso había leyes que prohibían su uso no oficial)

Esta tendencia continuo  hasta 1900 cuando las estrellas de Hollywood  y la burguesía de la época comenzaron a utilizarlo indiscriminadamente, como el máximo símbolo de poder y riqueza.

A partir de ese entonces el uso de pieles inicio una carrera meteórica en ascenso, todos querían tener un abrigo o articulo de piel. Estos eran utilizadas prácticamente en todo tipo de ropa así como también la cantidad de animales utilizados era indescriptible, siendo los favoritos: gorila, mink, leopardo, zorro y chinchilla. .

En 1948 The National Geographic  publico el articulo «The Romance of American Furs» de Wanda Burnett donde describe,  el excelente negocio que era tener una granja de esta índole en esas décadas, así mismo su importancia para evitar que cazadores  furtivos pudieran hacer negocio. y como la industria de la moda  totalmente de la mano del  «new look»  fomentaba su uso.

Este romance vio sus últimos días en 1970 cuando estos abrigos de piel se transformaron en objeto de activismo  en pro de la defensa de los animales y en 1973 se firmo la «Ley de animales en peligro de extinción». En los 80s la aparición de PETA y la aparición  de  personajes como Naomi Campbell, Brigite Bardot en sus campañas, inicio la concientización  contra el uso de pieles en la industria de la moda, esta es una lucha que aun sigue activa, mientras hay personas que defienden el uso de pieles provenientes de  granjas, hay quien repele en su totalidad el uso de estas y opta por fur sintéticos.

Al final, tu decides que es lo que utilizaras y en caso que decidas utilizar pieles reales o falsas, por favor que estas sean vintage, ambas opciones ayudan al planeta.

Besos Vintage  y nos vemos la próxima semana.

 

 

 

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La ilusión, al estilo Hermès.

Corría  el año de 1952 cuando la Hermès creo un hito en la moda con la colección «trompe l’oeil » (ilusión óptica) 

La idea era fácil de realizar, solo bastaba simular con pintura botones, cuellos, pañuelos y bolsas, lo difícil era lograr que esta ilusión se ajustara  perfectamente al cuerpo.

La primera en coquetear con esta idea fue la italiana Schiaparelli  con su sweater de doble punto el cual simulaba un cuello con moño al frente, todo siempre elaborado con el mas exclusivo arte de la alta costura.

Pero Hermès logro lo que Schiaparelli no pudo, darle la sencillez y fluidez  para que este diseño pudiera ser utilizado por las masas, logrando que miles de mujeres en todo el mundo los usaran como parte de su vida diaria y que actualmente sigue mas vigente que nunca.

Espero disfrutes de este deleite visual: 

 

 

 

Fotografías cortesía de los archivos de la revista «Life»

 

¿Cual de todos usarías tu?

Nos vemos la próxima semana, besos vintage.

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Las hermanas Callot, las reinas de la alta costura.

“Sin las enseñanzas de las hermanas Callot, yo seguiria haciendo Fords en vez de Rolls-Royces”

                                                                                                                   Madeleine Vionnet

Imagina crecer en un ambiente lleno de arte, diseño, antigüedades y encaje, esa  fortuna la tuvieron las hermanas  Marie, Marthe, Régine y Joséphine Callot  quienes fueron unas de las mas reconocidas diseñadoras del 1985 hasta 1937.

Totalmente adelantadas a su tiempo estas hermanas abrieron una  casa de diseño de moda en París en 1895, en el número 24 de la Rue Taitbout de París, la modernidad de sus propuestas, unida al virtuosismo artesanal de su fabricación consagro rápidamente a la hermanas y a su marca: “Callot Soeurs” como las reinas de la alta costura.  en 1900 su maison tenia alrededor de 600 empleados.

Los espectaculares diseños creados por Callot Soeurs recordaban el estilos del siglo XVIII y estos generalmente estaban elaborados en tul de colores pastel, telas antiguas, encajes, brocados ricos e inspiración asiática. Ellas fueron las pioneras en el uso de  plata y oro, ademas de especializarse en el diseño de vestidos de noche, capas, ropa de día y lencería femenina.

En 1914, las hermanas crearon el vestido camisero y se involucraron en «Le Syndicat de défense de la grande couture française» donde recomendaron a los miembros  poner controles para proteger sus diseños originales de los falsificadores, así mismo propusieron que los diseñadores debían de fechar sus etiquetas.

En 1916, introdujeron en su colección una capa que denominaron «Le Roi de Bacchante». Esta lujosa capa, fue creada en seda color vino con hilos metálicos de diferentes colores, este diseño fue muy elogiado por el The New York Times.

En 1920, presentaron el «manteau d’abbé»  que era una capa corta para usar con abrigos y vestidos de noche. También crearon los abrigos inspirados en Rusia llamados  «Petrogrado» y «Gran Duque Nicolás.» En esa misma década  la firma Callot fue una de las principales casas de moda en París que atendía a una exclusiva clientela estadounidense y europea, ademas de abrir sucursales en Niza, Biarritz, Buenos Aires y Londres..

También fueron famosas por crear lencería en fina seda adornada con encaje exquisito y delicado, cintas y ramos de flores de seda.

En 1926 los costosos diseños de la casa ya no atraían a las mujeres modernas. No pudieron competir con los nuevos diseños de modistos como Chanel. En 1928, Pierre, el hijo de Marie, se hizo cargo del negocio y en 1937, la Maison fue comprada por  Calvet, esta ultima siguió expandiéndose a lo largo de los años y formó asociaciones con Hermes, Rochas, Patou, Jaques Fath, Balenciaga, Nina Ricci y otros.

¿Listos para enamorarse de sus diseños? 

Fotografías cortesía del museo MET

 

Así de fascinante fue la vida de  estas hermanas, que dedicaron su vida a al hermoso arte de la alta costura.

Besos vintage, hasta la próxima semana. <3

 

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El Legado

¿Recuerdas los primeros objetos que añorabas en tu infancia? Te cuento que los míos eran 3:

  • Una máquina de coser Singer de 1950
  • Un vestido café de lunares beige de 1950
  • Una capa de lana doble vista con estampado de tartán en color gris de 1960

¿Será casualidad que  todo tiene que ver con ropa? Creo que no…

La máquina de coser de mi abuelita, fue mi favorito desde muy pequeña, en ella podía verter toda mi imaginación,  fue mi barco, tren, escondite de lectura, bunker ilimitado de curiosidad al momento de abrir esos misteriosos cajones. Hasta la fecha sigue siendo para mí el objeto más fascinante, siempre he dicho que cuando tenga hijos haré su ropa con esa máquina e indudablemente me encantara pasar a mis herederos esta pieza.

Otro de mis objetos favoritos de infancia era ese hermoso vestido café de lunares que mi abuelita utilizo en su juventud, este parecía estar hecho para una princesa, de falda triple circular, sin mangas, cintura pequeña, cierre en la espalda, con un frente sencillo pero elegante, creado en el más suave algodón que mis manos han tocado, simplemente la perfección hecha vestido, espero algún día encontrarlo y poder usar  esa pieza con la que mi abuelita se veía radiante en su juventud y a un costado de este vestido de ensueños en el mismo ropero se encontraba la capa mágica, siempre me pareció ideal para salir a luchar con estilo y al mismo tiempo te hacía sentir como miembro de la realeza,  desde niña caí rendida ante la sencillez y belleza de esta pieza y he de admitir  que nunca visualice como la portaba mi abuelita  porque ella es  pequeña y la capa es un poco grande, lo que si imaginaba era lo poderosa que podía ser con ella.

Pasa el tiempo, creces pero las memorias de la infancia siempre se quedan en tu alma y cuando vez nuevamente esos objetos que te hacían soñar, tu corazón late al 1000 x hora, de la emoción de tener nuevamente entre tus manos esas piezas que han sobrevivido al paso del tiempo, que llenaron tu niñez de dulces historias y sientes que una parte de ti ha regresado… Así tal cual fue lo que me sucedió con esa capa gris, con la diferencia de que ahora que soy adulta  puedo hacer realidad ese sueño de salir con ella a luchar y ser sofisticada al mismo tiempo.

Mi abuelita por supuesto está feliz de que yo tenga esta joya familiar, porque esto va más allá de heredar un simple objeto, es el poder transmitirme sus experiencias de juventud, su sabiduría, su calidez y amor; así mismo de esta forma yo estaré feliz de poder pasar esta pieza a mis hijas, porque de esta forma les transmitiré  el amor y sabiduría de su bisabuela, su abuela y que su madre tienen para ella.

Por ello siempre es importante tener presente que legados dejaras en tu viaje por la vida,  porque el saber que tienes ese algo  del pasado que marco tu infancia y que representa el amor de tu historia familiar, es sin duda alguna la forma más bella en que las nuevas generaciones contacten sus raíces.

¿Quieren saber cómo es la capa mágica? Aquí te la presento.


 

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Paul Poiret, Le Magnifique.

Paul Poiret nace en París en 1879 en el seno de una familia humilde. Su padre era comerciante de telas y desde muy joven comenzó a trabajar en un taller de paraguas. Allí aprendió la técnica de costura, ademas de realizar sus primeros diseños, con los trajes de las muñecas de su hermana. Su carisma y talento lo llevaron a  los círculos más exclusivos de la Belle Époque parisina, Trabajo como asistente y jefe del departamento de sastrería, para Jacques Doucet.

En 1901, Poiret se unió a la sastrería de Worth, donde creo una colección con  Gastón Worth (hijo de charles-el-pionero ) llamada «French fries», la cual consistía en prendas sencillas y prácticas que eran guarniciones para el plato principal, esta colección resultó ser demasiado simple para los clientes de Worth, se dice que la Princesa rusa Bariatinski, cuando vio las piezas exclamó:

«¡Qué horror; con nosotros,  hay compañeros que los ejecutan, nos molestan, nos  cortan la cabeza y las ponen en sacos sin más. «

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Mujeres vistiendo Paul Poiret.

La reacción de la Princesa, llevó a Poiret a fundar su propia maison  en 1903. Dos años más tarde, se estableció una empresa de perfumes y cosméticos bajo el nombre de su hija mayor, Rosine, y una empresa de artes decorativas con el nombre de su segunda hija, Martine. Al hacer esto él era el primer modisto para alinear la moda con un diseño interior y promover el concepto de un «estilo de vida total».

Alérgico a la uniformidad de la época, Poiret en alguna ocasión declaro

los verdaderos elegantes son aquellos que “inventan modas, los que las crean, no los que las siguen”.

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Poiret aprendió el oficio de la sastrería y costura en dos de las casas más antiguas y veneradas, pasó su primera década como un modisto independiente rompiendo lo establecido en corte y confección, libero el cuerpo de las enaguas y en 1903 quito la opresión del corsé, también adapto el drapeado en la vestimenta diaria, la reinterpretacion  e inspiración de la vestimenta  regional, el kimono japones y el caftán de Oriente Medio y el Norte de África. De 1906 a 1911, presentó prendas que promovieron una silueta etiolada, de talle alto, colores ácidos y exóticos, turbantes, pantalones «harem» en 1911 y túnicas «pantalla de lámpara» , las faldas hobble, entre otros.

Después de que Poiret  abrió de nuevamente su negocio, tras la primer guerra, su moda había sido opacada por el modernismo. La utilidad, la función y la racionalidad; Suplantaron el lujo, el ornamento y la sensualidad de Poiret. El no pudo conciliar con estos  ideales y estética del modernismo y su visión artística, cerrando su negocio en 1929.

Ilustración de Paul Poiret
Ilustración de Paul Poiret
Etiqueta de Paul poiret en 1920
Etiqueta de Paul Poiret en 19o3
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El Rebozo.

¿Cuándo me traes a mi negra? Que la quiero ver aquí, con su rebozo de seda, que le traje de Tepic.

¿Existirá una pieza mas iconica de la identidad mexicana que el REBOZO? creo que no así que hoy en nuestro miércoles de cuentos hablaremos un poco mas de esta maravillosa pieza llena de identidad y tradición mexicana.

Sus orígenes datan  aproximadamente desde  1572, en su obra historia de las indias, el fraile dominico Diego Durán hace mención del rebozo. Esta prenda nació de la necesidad que tenían las mujeres mestizas de cubrirse para entrar a los templos. Inspiradas en las tocas que los frailes impusieron a las mujeres indígenas  y en  las mantillas españolas, los tejedores aprovecharon el telar prehispánico para tejer rebozos de algodón, de seda y de lana. Las indígenas acostumbraban a hilar con uso o malacate las fibras que empleaban para tejer. Del mismo modo, trabajaban la seda y la lana sin abandonar el ixtle ni el algodón blanco ni el de color coyuebe, de origen prehispánico. El uso del rebozo se hizo pronto muy popular. Lo hicieron suyo primero mestizas y poco antes de terminar el siglo XVI, negras, mulatas e indígenas.

El rebozo es el paño de hombros para envolver el corazón de la mujer y prolongar la ternura de sus brazos. Anónimo.

El uso del rebozo ha sido de lo más variado. Mientras damas de alta alcurnia lo utilizaban dentro de sus casas, las mujeres del pueblo no salían a la calle sin él. Para ellas era abrigo, monedero, cuna, tendedero, pañuelo y mortaja, las religiosas, en su vida claustral, usaban el de color azul y blanco, el de “hilo de bolita”. En contraste al ocurrir una riña de vecindad, el rebozo pasaba a ser arma de combate. Por ultimo, la mujer otomí tenía la costumbre de mojar la punta de un rebozo en el agua de la fuente cuando recordaba a su novio, ademas  ser básico en el uso maternal para cargar al niño de brazos, cubrir la belleza juvenil en misa, acompañar en la última morada, como accesorio de ornamento o simplemente, para taparse del frío.

Actualmente esta prenda mexicana esta en crisis, debido a que no hay un relevo generacional que se dedique a su elaboración.  así que estamos en el tiempo exacto de verlo como un arte y un oficio, del arte popular mexicano.

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Rebozo michoacano de Tarecuato  años 60’s Pieza disponible en tienda.

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¿Que hace un curador Vintage?

Feliz miércoles de cuentos.

Alguna vez te has preguntado ¿Cual es el trabajo de un curador vintage? ¿Qué,  acaso que existe esa profesión? ( ja ja  si, si existe)  y hoy te platicare un poco de este bello trabajo.

Había una vez, un conjunto de hermosas telas creadas entre 1916 y 1996, estas bellezas fueron utilizadas para crear  hermosos abrigos, vestidos, faldas, etc… las cuales fueron portadas por diversas jóvenes, mamas, abuelitas, bisabuelas quienes las llenaron de energía, amor y experiencias, pasaron los años y simplemente fueron guardados en un closet. Tras diversas situaciones estas bellezas fueron dejadas en diversos lugares.

Y ahí entro yo…

Estas bellezas las puedo encontrar en un closet como es el caso del vídeo de Mariana, en un Bazar, en otra ciudad, en una subasta o hasta en un mercado. (aveces cuando voy a comprar mi  mandado, de vez en cuando me encuentro cosas maravillosas y digo no puedo dejar esto aquí. ja ja) Sigue leyendo ¿Que hace un curador Vintage?

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Las hermosas Peinetas.

Feliz día a todos! Hoy en nuestro #Miercolesdecuentos hablaremos de las:

 —Peinetas—-

¿Sabías que en sus inicios era utilizado como  un <<Peine>>? Si ese que usamos de cerdas separadas para desenredar el cabello o dar terminados más lisos a tu peinado. Sigue leyendo Las hermosas Peinetas.