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Cuentos sobre el tartán

Cada invierno este elegante y característico textil regresa, pero te has preguntado alguna vez ¿Cual es su origen?

Se dice que sus primeras apariciones datan del siglo XVI en las tierras altas de Escocia,  otros que su verdadero origen fue en Austria, pero el lugar donde realmente  se quedo como símbolo nacional fue Escocia, donde en 1746  se prohibió su uso en tras el levantamiento Jacobino como medio de represión y  esto se extendió hasta 1782; después de esto ya no quedaban restos de esta tradición, los telares habían sido destruidos, tejedores mas experimentados habían fallecido y toda una generación de había crecido sin ver ni saber lo que era un tartán.

 

Niños vistiendo el tradicional tartán (finales de 1890)

 

A finales  del siglo XVIII  este fue utilizado como uniforme  de los militares escoceses al servicio de la corona británica, pero en  en 1822  con la visita de estado del Rey George IV a Escocia se produjo nuevamente la fiebre de amor al tartán, a partir de este evento  la alta élite escocesa lo convirtió en moda y tradición exclusiva para ellos. En el año 1831 se publicó «The Scottish Gael«,  fue el primer libro donde se recopilo, la información acerca de  los nuevos tartanes de los clanes, consolidando este estampado como símbolo nacional del país.

 

Niños vistiendo el tradicional tartán.

En 1940 varias empresas estadounidenses, entre ellas Pendleton inspirados en la belleza de este patrón comenzaron a utilizarlo y venderlo al publico en general.

Publicidad de 1950

 

A mediados de los 60s la juventud británica en un acto de total rebeldía comenzó a utilizar el tartan (para esta década solo la alta élite podía utilizarlo)  y en los 70s esto se convirtió en un movimiento contra el sistema, algunos de los mas influyentes de la época, como los Sex Pistols o Vivienne Westwood lo utilizaron como estandarte, dando paso al punk. En esta década literalmente todo el mundo vestía el tartán en todas las formas posibles.

Literal todo el mundo se vistió con tartán.

 

La diseñadora Vivienne Westwood con uno de sus diseños, en el movimiento Punk.

Y por supuesto que seria de los 90s  sin este estampado y el grunge que revivió gracias a Marc Jacobs  cuando era el diseñador de Perry Ellis.

Diseño de Marc Jacobs para Perry Ellis

 

Y así la historia de este estampado que tiene mas de 300 años de tradición e historia  y que actualmente podemos disfrutar en cualquier versión sin necesidad de pertenecer a algún clan.

Besos vintage y nos vemos en el próximo cuento vintage.

 

 

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Un inesperado adiós a la reina de Cashmere.

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El pasado 26 de Mayo, el mundo de la moda se lleno de lagrimas al despedir a la diseñadora Laura Biagiotti, esta increíble artista Romana, dio sus primeros  pasos en esta industria  gracias a la prolifera carrera de su madre Delia Soldaini Biagiotti,  esto definió su destino como:

LA REINA DEL CASHMERE.

 

Laura  Biagiotti, nació en Roma en 1934 desde muy joven siempre tuvo un gran amor al arte, constantemente decía: «todos los días, respiro, como y sueño arte, para mi todo es arte.» Su vida dio un giro radical en 1972 cuando dejo la  literatura  en arqueología e ingreso al negocio familiar de la moda, regalandole al mundo la magia de su primer desfile, este fue considerado un sueño en cashmere; Biagiotti fue muy generosa al llevar a las mujeres de climas fríos  vestidos de muñeca, suéteres y abrigos de punto,  cómodos, cálidos, elegantes y envolventes, en 1988 guiada por su intuición, fue la primera diseñadora italiana en presentar una colección en China.

Laura Biagiotti 1988

Laura Biagiotti 1991

Esta pionera amante de los descubrimientos, obtuvo varios galardones  en los 30 años de vida que tuvo su firma.

  • En 1993, recibió el premio Marco Polo en Pekín por haber llevado la industria italiana a China.
  • En 2001 fue la  primera diseñadora para recibir el Premio Femmes d’Europe por su contribución en la promoción y participación de las mujeres en el desarrollo de una Europa unificada.
  • En 2006 celebro el ser la primera diseñadora italiana en presentar una colección en Moscú en 1995.

 

Gracias por llenar nuestra vida de suavidad y calidez Laura Biagiotti.

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Felicidad de Terciopelo.

Feliz #miercolesdecuentos después de tocar la delicia y felicidad del terciopelo.. no te queda la duda acerca de ¿Como se origino, este increíble textil?

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detalle de la parte trasera de un vestido de terciopelo década 1980

Se dice que el origen del terciopelo data del 3000 A.c. por  algunos vestigios encontrados en las tumbas egipcias, otras fuentes indican que el terciopelo  surgió en la India y su comercialización se inició a mediados del siglo XIV. En ese entonces, el terciopelo era originalmente de  seda, la cual se trabajaba en telares manuales  que daban origen a este tejido que tiene el revés liso y el otro lado con pelos cortos y tupidos, produciendo una textura de tacto suave.

Conjunto de terciopelo de algodón años 60s.
Conjunto de terciopelo de algodón años 60s.

Debido a las características físicas del terciopelo, entre las que destacan  su suave profundidad  y  su espléndido color,  lo convirtieron en el textil perfecto para encajar en los trajes oficiales y colgantes suntuosos. En el medievo los terciopelos italianos eran los mas cotizados, las ciudades donde producía terciopelo con acentos artisticos eran Lucca, Florencia, Venecia y Génova.

El terciopelo era muy costoso y era considerado como una de las mercancías de lujo al igual que la seda a tal grado que solo los reyes y la clase alta tenían acceso a este textil.

Hoy día es considerado como uno de los tejidos más complejos de producir. El más mínimo error en su largo proceso dará lugar a un tejido no comercializable. El terciopelo es  muy utilizado en la  Alta Costura y es altamente apreciado por los diseñadores de moda. En la actualidad,  los tejidos de terciopelo artesanos más exquisitos siguen fabricándose en Europa y el resto de la producción proviene de centros asiáticos con costes productivos mas económicos como China o Turquía. Los tipos de terciopelos más comunes son de nylon, acetato, rayón, poliester, seda, lana y algodón.

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saco de terciopelo años 70s en color plata

Si quieres sentir la evolución, del terciopelo desde los años 50s hasta los 90s te esperamos en nuestro showroom con  nuestra colección Memorias en Velvet, donde 18 piezas terciopelo, te contaran algunas de sus memorias. <3

 

Nos vemos la próxima semana.

besos vintage.

 

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La historia de los cuadros Vichy

¿Que acaso no es lo mismo el estampado tartan y el estampado vichy? …. mmm ….mmmm  tengo que decirte  ¡no! no son iguales, de hecho la historia de cada uno es muy diferente. el tartan representa cada clan escoces y el GINGHAM o VICHY  en sus inicios representaba lo económico y  la durabilidad.

Buscando en el diccionario el dato técnico dice lo siguiente:

El Gingham es un textil liso tejido, de peso medio elaborada en algodón o mezcla de algodón hilado. el Gingham no tiene derecho o del lado equivocado con respecto al color y su uso.

Pero… Buscando la historia nos dice lo siguiente:

Esta tela fue importada a Europa en el siglo 17, originalmente  su diseño era un textil económico a base de algodón lineal, con el tiempo este diseño fue cambiando en Manchester, Inglaterra simulando el patrón del tartan, en color azul-blanco y adopto el nombre de estampado vichy.

Este textil fue muy utilizado en la época victoriana francesa,  especialmente era usado en la ropa para niños, debido a su durabilidad y bajo precio, ademas de convertirse en una tela confiable para el uso doméstico. Esta imagen de la vida doméstica y uso hogareño es asumida por los cafés bistro quienes, comenzaban a vender comida rústica sencilla a los transeúntes urbanos en París y otras grandes ciudades.

En esa misma época el estampado vichy se vuelve muy popular en los EE.UU. a finales del siglo 19. era utilizada para  ropa y artículos para el hogar. convirtiendose en una tela popular para  hombres,  mujeres y  niños.

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Mujer victoriana con vestido cuadros vichy

En los locos 20, el estampado vichy  es muy popular entre las jóvenes y los uniformes escolares, convirtiéndolo en un básico de verano. Después de la Primera Guerra Mundial, este textil se convirtió en una gran opción, ya que permitía, seguir la moda y comprar ropa barata.

En 1930  el diseñador y vestuarista Adrian  creo el iconico  vestido azul usado por  Judy Garland  como Dorothy Gale en El mago de Oz. Este vestido grita el simbolismo de  que «no hay lugar como el hogar» ademas de hacer parecer mas joven  a la actriz.

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Judy Garland en el mago de OZ.

 

En los 40’s tras la depresión económica y la segunda guerra el estampado vichy se convierte en un símbolo del verano y el glamour. Los pantalones cortos de algodón barato, tops y trajes de baño desfilaban portados con las estrellas de Hollywood y las mujeres en casa replicaban estas modas a partir de patrones y costura casera.

En los 50’s  los cuadros vichy  encapsula el perfecto y hogareño estilo de vida Americano. Eran usados en la casa, hombre mujeres, con vaqueros, camisas anudadas, vestidos, faldas  desde Marilyn Monroe, Brigitte Bardot (quien se caso con un vestido de estampado vichy  color rosa) Audrey Hepburn , Grace Kelly y  Jackie Kennedy.

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Chanel 1955
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El ideal de la perfecta vida americana. 1950
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Jackie O & cuadros Vichy.

En los 60’s  la sastrería italiana, francesa y estampado vichy  hicieron de las suyas, con los jóvenes británicos y el MOD dándole un  estilo fresco, sencillo  y moderno a la moda.

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Audrey Hepburn y los 60’s
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Mick Jagger y la sastrería Italiana en los 60’s

Lamentablemente  la juventud de las siguientes décadas desde los 70’s a los 90’s lo considera aburrido y decae a ser utilizado en forma muy medida.

Para nuestra fortuna nuevamente la juventud y el amor por las memorias del pasado en el 2000, el estampado vichy resurgió llenando nuestro closet de vitalidad.

Nos vemos en nuestro siguiente cuento, besos vintage <3

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El Gallardo Jean Patou

Alto, guapo, deportista, amante de las cenas y el baile.. ¿Que mas se podría pedir?… por supuesto que sea diseñador de moda.  Todos estos requisitos los reúne nuestro diseñador de la semana.

Jean Patou

Nació en Normandia Francia en 1880  hijo de curadores de piel, vivió toda si infancia rodeado pieles y caballos, se dice que su inspiración para entrar al mundo de la moda fue su hermana. Posteriormente trabajó en el negocio de curaduría y comercio de piel de su tío y decidió combinarlo con un negocio de costura en París en 1910, lamentablemente este primer negocio fracaso. Pero eso no le impidió abrir nuevamente un negocio nuevo llamado Maison Parry en 1912 París, este fue un taller donde se vendían vestidos y pieles.

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Abrigo diseñado por Jean Patou.

Eran los inicios de 1914 cuando produjo su primera y propia colección, pero en agosto de ese año  la guerra impidió que continuara con su negocio. se unió al regimiento Zovares que fueron los precursores de la legión extranjera francesa. Regreso en 1919  y en 1920 mostró al mundo su primera colección de alta costura.

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Una de las piezas de Alta Costura de Jean Patou

En ese mismo año Patou reconoció dos cosas; la primera fue que  la industria de la alta costura era como un ser autónomo con gran potencial y lo segundo, que tras la guerra muchas de sus clientas estaban en manos de Coco Chanel, tras esto decide cambiar sus diseños de alta costura, por moda deportiva, de esa manera atrae a grandes clientes de alta sociedad que eran gran asiduos de realizar deportes al aire libre.  En 1925 realiza una visita a Estados Unidos, la cual fue el elixir de ideas para brindarle a sus clientes una publicidad brillante.  Ese mismo año Patou abrió una tienda llamada «Le Coin des Sports» en la planta baja 7 de la rue Saint-Florentin, donde dedicó una serie de habitaciones orientadas en el diseño de moda  de cada deporte. Ademas colaboró con la introducción de nuevos textiles en los trajes de baño y el uso de tejido en algodón de doble punto para la creación de sus diseños simples y elegantes.

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Diseños deportivos de Jean Patou.
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Traje de baño diseñado por Jean Patou.

En 1926 la tenista Suzane Lenglen lució uno de sus coordinados deportivos, el cual constaba de una falda plizada y blusa sin mangas en Wimbledon causando un revuelo total  debido a lo corto de la falda.

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En 1929  Patou diseña un abrigo  color verde oscuro con cuello y muff de piel, logrando causar todo un revuelo ya que este tono de verde oscuro era considerado de mala suerte por parte de las mujeres, con este revuelo termino contratando a quiromanticos para que determinaran  el tono exacto de verde que era y de esta manera dejaran de verlo con superstición.

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Abrigo diseñado por Jean Patou y visto con superstición. 

Tras una corta carrera en el mundo de la moda Jean Patou muere en 1936, dejando grandes legados como coordinados de faldas para practicar tenis, bufandas, sombreros y su linea de perfumes Joy  (el cual es considerado el perfume mas caro del mundo) y 1000 los cuales se siguen vendiendo como desde el primer día.

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Cartel publicitario de perfumes Jean Patou.

Besos vintage. <3

 

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El Mago del textil, Mariano Fortuny y Madrazo.

Solo una colección basto para que este diseñador sea considerado uno de los mas grandes genios de la moda hablamos de:

Mariano Fortuny y Madrazo.

Nació en  1871 en Granada España, hijo del  pintor español Mariano Fortuny y Marsal, se mudo a París con su madre tras la muerte de se padre, donde  estudió dibujo, pintura y escultura, así como  química y colorantes. en 1889 se traslada con su madre a Venecia y en 1895 se enamoró y caso con su musa Henriette Negin. Permanecieron juntos hasta su muerte.

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Henrriete la musa de Fortuny

La  incursión tardía en el mundo de la moda por parte de Fortuny  inicio cuando presentó su primer diseño; una mascada de seda pura e impresa a la cual llamó el Cnosos. En 1907 creo su más famoso  e inigualable vestido Delphos. Esta fue una revolución total en el diseño de moda, derrocando por completo las prendas interiores restrictivas y el corse. Este vestido, estaba formado por sedas de colores vivos, como columna libre  y sencilla con pliegues increíblemente pequeños,creando visualmente una apariencia larga y delgada. Los primeros vestidos tenían mangas murciélago, las versiones posteriores podrían ser sin mangas o decorado con perlas de cristal veneciano. Fortuny la describió como una  inspiración Griega y  relacionada con la «túnica clásica», en 1909 patentó su diseño y la técnica con la cual creaba el plisado en el textil. Fortuny continúa la producción hasta la década de 1930

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Las hijas de Fortuny, portando sus diseños.

También hizo túnicas transparentes impresas teñidas para igualar  el vestido y pudiera llevarse sobre el. Cada vestido era único y hecho sobre medida.

En 1919 Fortuny abrió una fábrica de tejidos de impresión en Venecia donde iba a desarrollar técnicas de impresión sobre terciopelos y algodones. Él refinó su proceso de teñido de seda. Hizo telas para la industria de la moda en el hogar, como pantallas de lámparas y fundas de cojines.

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la bailarina Anna Pávlova en un diseño de Fortuny

En 1921 abre su  fábrica Giudecca. Debido al aumento en el precio y la escasez de la seda. Fortuny experimentó con un material más fácilmente disponible el algodón. Sus métodos para tratar el algodón es un secreto bien guardado que aún se utiliza para producir tejidos hasta la fecha.

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Fortuny muere en 1949. A pedido de Henriette, Elsie amiga de Fortuny continua con la empresa. Ella estaba involucrada en todos los aspectos de la producción y supervisión, en la impresión de cada metro de tela listos para su comercialización y también en la creación de nuevos diseños.

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Mariano Fortuny

Actualmente los diseños y creaciones de Fortunity  son raros y coleccionables.

 

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Paul Poiret, Le Magnifique.

Paul Poiret nace en París en 1879 en el seno de una familia humilde. Su padre era comerciante de telas y desde muy joven comenzó a trabajar en un taller de paraguas. Allí aprendió la técnica de costura, ademas de realizar sus primeros diseños, con los trajes de las muñecas de su hermana. Su carisma y talento lo llevaron a  los círculos más exclusivos de la Belle Époque parisina, Trabajo como asistente y jefe del departamento de sastrería, para Jacques Doucet.

En 1901, Poiret se unió a la sastrería de Worth, donde creo una colección con  Gastón Worth (hijo de charles-el-pionero ) llamada «French fries», la cual consistía en prendas sencillas y prácticas que eran guarniciones para el plato principal, esta colección resultó ser demasiado simple para los clientes de Worth, se dice que la Princesa rusa Bariatinski, cuando vio las piezas exclamó:

«¡Qué horror; con nosotros,  hay compañeros que los ejecutan, nos molestan, nos  cortan la cabeza y las ponen en sacos sin más. «

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Mujeres vistiendo Paul Poiret.

La reacción de la Princesa, llevó a Poiret a fundar su propia maison  en 1903. Dos años más tarde, se estableció una empresa de perfumes y cosméticos bajo el nombre de su hija mayor, Rosine, y una empresa de artes decorativas con el nombre de su segunda hija, Martine. Al hacer esto él era el primer modisto para alinear la moda con un diseño interior y promover el concepto de un «estilo de vida total».

Alérgico a la uniformidad de la época, Poiret en alguna ocasión declaro

los verdaderos elegantes son aquellos que “inventan modas, los que las crean, no los que las siguen”.

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Poiret aprendió el oficio de la sastrería y costura en dos de las casas más antiguas y veneradas, pasó su primera década como un modisto independiente rompiendo lo establecido en corte y confección, libero el cuerpo de las enaguas y en 1903 quito la opresión del corsé, también adapto el drapeado en la vestimenta diaria, la reinterpretacion  e inspiración de la vestimenta  regional, el kimono japones y el caftán de Oriente Medio y el Norte de África. De 1906 a 1911, presentó prendas que promovieron una silueta etiolada, de talle alto, colores ácidos y exóticos, turbantes, pantalones «harem» en 1911 y túnicas «pantalla de lámpara» , las faldas hobble, entre otros.

Después de que Poiret  abrió de nuevamente su negocio, tras la primer guerra, su moda había sido opacada por el modernismo. La utilidad, la función y la racionalidad; Suplantaron el lujo, el ornamento y la sensualidad de Poiret. El no pudo conciliar con estos  ideales y estética del modernismo y su visión artística, cerrando su negocio en 1929.

Ilustración de Paul Poiret
Ilustración de Paul Poiret
Etiqueta de Paul poiret en 1920
Etiqueta de Paul Poiret en 19o3
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El Rebozo.

¿Cuándo me traes a mi negra? Que la quiero ver aquí, con su rebozo de seda, que le traje de Tepic.

¿Existirá una pieza mas iconica de la identidad mexicana que el REBOZO? creo que no así que hoy en nuestro miércoles de cuentos hablaremos un poco mas de esta maravillosa pieza llena de identidad y tradición mexicana.

Sus orígenes datan  aproximadamente desde  1572, en su obra historia de las indias, el fraile dominico Diego Durán hace mención del rebozo. Esta prenda nació de la necesidad que tenían las mujeres mestizas de cubrirse para entrar a los templos. Inspiradas en las tocas que los frailes impusieron a las mujeres indígenas  y en  las mantillas españolas, los tejedores aprovecharon el telar prehispánico para tejer rebozos de algodón, de seda y de lana. Las indígenas acostumbraban a hilar con uso o malacate las fibras que empleaban para tejer. Del mismo modo, trabajaban la seda y la lana sin abandonar el ixtle ni el algodón blanco ni el de color coyuebe, de origen prehispánico. El uso del rebozo se hizo pronto muy popular. Lo hicieron suyo primero mestizas y poco antes de terminar el siglo XVI, negras, mulatas e indígenas.

El rebozo es el paño de hombros para envolver el corazón de la mujer y prolongar la ternura de sus brazos. Anónimo.

El uso del rebozo ha sido de lo más variado. Mientras damas de alta alcurnia lo utilizaban dentro de sus casas, las mujeres del pueblo no salían a la calle sin él. Para ellas era abrigo, monedero, cuna, tendedero, pañuelo y mortaja, las religiosas, en su vida claustral, usaban el de color azul y blanco, el de “hilo de bolita”. En contraste al ocurrir una riña de vecindad, el rebozo pasaba a ser arma de combate. Por ultimo, la mujer otomí tenía la costumbre de mojar la punta de un rebozo en el agua de la fuente cuando recordaba a su novio, ademas  ser básico en el uso maternal para cargar al niño de brazos, cubrir la belleza juvenil en misa, acompañar en la última morada, como accesorio de ornamento o simplemente, para taparse del frío.

Actualmente esta prenda mexicana esta en crisis, debido a que no hay un relevo generacional que se dedique a su elaboración.  así que estamos en el tiempo exacto de verlo como un arte y un oficio, del arte popular mexicano.

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Rebozo michoacano de Tarecuato  años 60’s Pieza disponible en tienda.