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Bonnie Cashin la creadora del chic-sport.

Practicidad, elegancia, e innovación, son las palabras que se vienen a la mente cuando veo una creación  de Bonnie Cashin, una de las mas grandes diseñadoras de moda, que ha sido olvidada en la historia.

Esta historia nace en California en el año de 1908, hija de una modista la cual tenia una serie de tiendas de corte y donde trabajo como aprendiz. En su adolescencia fue ilustradora de moda y diseñadora de vestuario de baile.

En 1937, la editora de Harper’s Bazaar Carmel Snow, admiraba los vestuarios teatrales de Cashin y le animó a trabajar con el fabricante de abrigos Adler y Adler. En 1942 diseño los uniformes de defensa civil de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, Cashin se sintió atrapada por las restricciones de los uniformes  y regresó a California donde firmo un contrato de seis años como diseñadora de vestuario para Twentieth Century-Fox., creando moda y sueños para los personajes femeninos de mas  de sesenta películas.

En 1949 regresó nuevamente a Nueva York a trabajar con  Adler y Adler, en 1950 gano el premio Neiman Marcus y el Premio Coty Fashion Critic.  Apesar de  estos logros ella estaba realmente Disgustada, por el control que  sus jefes tenían sobre su creatividad, decidió desafiarlos trabajando con múltiples fabricantes y diseñó una gama de ropa a diferentes precios, siempre pensando en la mujer moderna y activa.

En 1953, se asoció con el importador y artesano de cuero Philip Sills e inició su etapa del uso del cuero para la alta costura, ella declaro en varias revistas que su momento favorito era cuando se adaptaban los patrones planos y gráficos de la ropa asiática y sudamericana a la vida global contemporánea. gracias a ella, podemos disfrutar  de las capas infinitas de ropa, cosa que en la actualidad es de lo mas normal, sus prendas se acomodaban fácilmente una dentro de otra, estas se adaptaban fácilmente a diferentes temperaturas o actividades al ponerse o quitarse una capa. su objetivo era crear un vestuario flexible para su propio estilo de vida, en el que los cambios estacionales  estaban a solo un viaje de avión.

No solo fue famosa por el uso del cuero en la alta costura también se hizo conocida por mezclar telas y texturas, como cuero con tweed o mohair, y gamuza, sus piezas estaban llenas de cierres nuevos e interesantes: cierres con correa de perro, cierres corbatas, broches en lugar de las cremalleras, botones habituales, bolsos con entradas dobles, bolsos de mano integrados en las prendas y ganchos para cambiar fácilmente la longitud de una falda.. su ropa  y accesorios siempre fueron diseñados pensando en la practicidad de uso:

En 1962, Bonnie Cashin fue contratada por Coach. ella aplicó algunos de los mismos principios que usó al diseñar la ropa, sus bolsos eran para la mujer moderna. Ella usaba cueros brillantemente teñidos y muchos llevaban carteras. También hizo accesorios a juego, como carteras, y como lo hizo en su ropa, usó cierres, colores vivos, correas anchas, monederos adosados, cremalleras industriales y las famosas y resistentes perillas de latón, esto continuó hasta 1974.

Cashin se retiro en 1985, para dedicarse en la pintura y la filantropía, murió en Nueva York el 3 de febrero del 2000.

Su fino trabajo es el reflejo de  la mente de una mujer  innovadora e influyente.

«Me gusta diseñar ropa para la mujer que desempeña un papel particular en la vida , no solo es diseñar ropa que sigue una cierta tendencia, o que expresa una nueva silueta »

Nos vemos la próxima semana, besos vintage,

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La ilusión, al estilo Hermès.

Corría  el año de 1952 cuando la Hermès creo un hito en la moda con la colección «trompe l’oeil » (ilusión óptica) 

La idea era fácil de realizar, solo bastaba simular con pintura botones, cuellos, pañuelos y bolsas, lo difícil era lograr que esta ilusión se ajustara  perfectamente al cuerpo.

La primera en coquetear con esta idea fue la italiana Schiaparelli  con su sweater de doble punto el cual simulaba un cuello con moño al frente, todo siempre elaborado con el mas exclusivo arte de la alta costura.

Pero Hermès logro lo que Schiaparelli no pudo, darle la sencillez y fluidez  para que este diseño pudiera ser utilizado por las masas, logrando que miles de mujeres en todo el mundo los usaran como parte de su vida diaria y que actualmente sigue mas vigente que nunca.

Espero disfrutes de este deleite visual: 

 

 

 

Fotografías cortesía de los archivos de la revista «Life»

 

¿Cual de todos usarías tu?

Nos vemos la próxima semana, besos vintage.

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Las hermanas Callot, las reinas de la alta costura.

“Sin las enseñanzas de las hermanas Callot, yo seguiria haciendo Fords en vez de Rolls-Royces”

                                                                                                                   Madeleine Vionnet

Imagina crecer en un ambiente lleno de arte, diseño, antigüedades y encaje, esa  fortuna la tuvieron las hermanas  Marie, Marthe, Régine y Joséphine Callot  quienes fueron unas de las mas reconocidas diseñadoras del 1985 hasta 1937.

Totalmente adelantadas a su tiempo estas hermanas abrieron una  casa de diseño de moda en París en 1895, en el número 24 de la Rue Taitbout de París, la modernidad de sus propuestas, unida al virtuosismo artesanal de su fabricación consagro rápidamente a la hermanas y a su marca: “Callot Soeurs” como las reinas de la alta costura.  en 1900 su maison tenia alrededor de 600 empleados.

Los espectaculares diseños creados por Callot Soeurs recordaban el estilos del siglo XVIII y estos generalmente estaban elaborados en tul de colores pastel, telas antiguas, encajes, brocados ricos e inspiración asiática. Ellas fueron las pioneras en el uso de  plata y oro, ademas de especializarse en el diseño de vestidos de noche, capas, ropa de día y lencería femenina.

En 1914, las hermanas crearon el vestido camisero y se involucraron en «Le Syndicat de défense de la grande couture française» donde recomendaron a los miembros  poner controles para proteger sus diseños originales de los falsificadores, así mismo propusieron que los diseñadores debían de fechar sus etiquetas.

En 1916, introdujeron en su colección una capa que denominaron «Le Roi de Bacchante». Esta lujosa capa, fue creada en seda color vino con hilos metálicos de diferentes colores, este diseño fue muy elogiado por el The New York Times.

En 1920, presentaron el «manteau d’abbé»  que era una capa corta para usar con abrigos y vestidos de noche. También crearon los abrigos inspirados en Rusia llamados  «Petrogrado» y «Gran Duque Nicolás.» En esa misma década  la firma Callot fue una de las principales casas de moda en París que atendía a una exclusiva clientela estadounidense y europea, ademas de abrir sucursales en Niza, Biarritz, Buenos Aires y Londres..

También fueron famosas por crear lencería en fina seda adornada con encaje exquisito y delicado, cintas y ramos de flores de seda.

En 1926 los costosos diseños de la casa ya no atraían a las mujeres modernas. No pudieron competir con los nuevos diseños de modistos como Chanel. En 1928, Pierre, el hijo de Marie, se hizo cargo del negocio y en 1937, la Maison fue comprada por  Calvet, esta ultima siguió expandiéndose a lo largo de los años y formó asociaciones con Hermes, Rochas, Patou, Jaques Fath, Balenciaga, Nina Ricci y otros.

¿Listos para enamorarse de sus diseños? 

Fotografías cortesía del museo MET

 

Así de fascinante fue la vida de  estas hermanas, que dedicaron su vida a al hermoso arte de la alta costura.

Besos vintage, hasta la próxima semana. <3

 

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El Mago del textil, Mariano Fortuny y Madrazo.

Solo una colección basto para que este diseñador sea considerado uno de los mas grandes genios de la moda hablamos de:

Mariano Fortuny y Madrazo.

Nació en  1871 en Granada España, hijo del  pintor español Mariano Fortuny y Marsal, se mudo a París con su madre tras la muerte de se padre, donde  estudió dibujo, pintura y escultura, así como  química y colorantes. en 1889 se traslada con su madre a Venecia y en 1895 se enamoró y caso con su musa Henriette Negin. Permanecieron juntos hasta su muerte.

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Henrriete la musa de Fortuny

La  incursión tardía en el mundo de la moda por parte de Fortuny  inicio cuando presentó su primer diseño; una mascada de seda pura e impresa a la cual llamó el Cnosos. En 1907 creo su más famoso  e inigualable vestido Delphos. Esta fue una revolución total en el diseño de moda, derrocando por completo las prendas interiores restrictivas y el corse. Este vestido, estaba formado por sedas de colores vivos, como columna libre  y sencilla con pliegues increíblemente pequeños,creando visualmente una apariencia larga y delgada. Los primeros vestidos tenían mangas murciélago, las versiones posteriores podrían ser sin mangas o decorado con perlas de cristal veneciano. Fortuny la describió como una  inspiración Griega y  relacionada con la «túnica clásica», en 1909 patentó su diseño y la técnica con la cual creaba el plisado en el textil. Fortuny continúa la producción hasta la década de 1930

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Las hijas de Fortuny, portando sus diseños.

También hizo túnicas transparentes impresas teñidas para igualar  el vestido y pudiera llevarse sobre el. Cada vestido era único y hecho sobre medida.

En 1919 Fortuny abrió una fábrica de tejidos de impresión en Venecia donde iba a desarrollar técnicas de impresión sobre terciopelos y algodones. Él refinó su proceso de teñido de seda. Hizo telas para la industria de la moda en el hogar, como pantallas de lámparas y fundas de cojines.

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la bailarina Anna Pávlova en un diseño de Fortuny

En 1921 abre su  fábrica Giudecca. Debido al aumento en el precio y la escasez de la seda. Fortuny experimentó con un material más fácilmente disponible el algodón. Sus métodos para tratar el algodón es un secreto bien guardado que aún se utiliza para producir tejidos hasta la fecha.

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Fortuny muere en 1949. A pedido de Henriette, Elsie amiga de Fortuny continua con la empresa. Ella estaba involucrada en todos los aspectos de la producción y supervisión, en la impresión de cada metro de tela listos para su comercialización y también en la creación de nuevos diseños.

Mariano Fortuny
Mariano Fortuny

Actualmente los diseños y creaciones de Fortunity  son raros y coleccionables.

 

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Paul Poiret, Le Magnifique.

Paul Poiret nace en París en 1879 en el seno de una familia humilde. Su padre era comerciante de telas y desde muy joven comenzó a trabajar en un taller de paraguas. Allí aprendió la técnica de costura, ademas de realizar sus primeros diseños, con los trajes de las muñecas de su hermana. Su carisma y talento lo llevaron a  los círculos más exclusivos de la Belle Époque parisina, Trabajo como asistente y jefe del departamento de sastrería, para Jacques Doucet.

En 1901, Poiret se unió a la sastrería de Worth, donde creo una colección con  Gastón Worth (hijo de charles-el-pionero ) llamada «French fries», la cual consistía en prendas sencillas y prácticas que eran guarniciones para el plato principal, esta colección resultó ser demasiado simple para los clientes de Worth, se dice que la Princesa rusa Bariatinski, cuando vio las piezas exclamó:

«¡Qué horror; con nosotros,  hay compañeros que los ejecutan, nos molestan, nos  cortan la cabeza y las ponen en sacos sin más. «

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Mujeres vistiendo Paul Poiret.

La reacción de la Princesa, llevó a Poiret a fundar su propia maison  en 1903. Dos años más tarde, se estableció una empresa de perfumes y cosméticos bajo el nombre de su hija mayor, Rosine, y una empresa de artes decorativas con el nombre de su segunda hija, Martine. Al hacer esto él era el primer modisto para alinear la moda con un diseño interior y promover el concepto de un «estilo de vida total».

Alérgico a la uniformidad de la época, Poiret en alguna ocasión declaro

los verdaderos elegantes son aquellos que “inventan modas, los que las crean, no los que las siguen”.

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Poiret aprendió el oficio de la sastrería y costura en dos de las casas más antiguas y veneradas, pasó su primera década como un modisto independiente rompiendo lo establecido en corte y confección, libero el cuerpo de las enaguas y en 1903 quito la opresión del corsé, también adapto el drapeado en la vestimenta diaria, la reinterpretacion  e inspiración de la vestimenta  regional, el kimono japones y el caftán de Oriente Medio y el Norte de África. De 1906 a 1911, presentó prendas que promovieron una silueta etiolada, de talle alto, colores ácidos y exóticos, turbantes, pantalones «harem» en 1911 y túnicas «pantalla de lámpara» , las faldas hobble, entre otros.

Después de que Poiret  abrió de nuevamente su negocio, tras la primer guerra, su moda había sido opacada por el modernismo. La utilidad, la función y la racionalidad; Suplantaron el lujo, el ornamento y la sensualidad de Poiret. El no pudo conciliar con estos  ideales y estética del modernismo y su visión artística, cerrando su negocio en 1929.

Ilustración de Paul Poiret
Ilustración de Paul Poiret
Etiqueta de Paul poiret en 1920
Etiqueta de Paul Poiret en 19o3
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Irene Pulos.

Siempre hemos sabido que México es dueño de una diversidad  que cualquier otro país envidiaría, ademas de ser increíblemente hermoso y lleno de contrastes de lo cual deberíamos sentirnos orgullosos.

Hace 4 años que ingrese al 100% al mundo del vintage siempre tuve la curiosidad acerca de los diseñadores MEXICANOS VINTAGE, que a decir verdad encontrar información acerca de ellos es muy restringido, es mas fácil encontrar información proveniente de una fuente extranjera o a menos que puedas contactar a alguien cercano al diseñador como es el caso de:

IRENE PULOS

Esta gran mujer proveniente de Guamúchil, Sinaloa fue una de las mas prosperas y grandes diseñadoras de moda en México en la época  «Artesanal chic» (70’s- 80’s)  junto a otras diseñadoras como Josefa  y Diana Martín, su mision fue rescatar lo más bello y rico de la ropa mexicana, trascendiendo fronteras y conquistando el gusto de refinadas damas del extranjero.

Nacida en una familia de empresarios creativos. Su abuelo proveniente de Grecia llego a México y abrió los primeros cines de Guamúchil  y su padre tenia un negocio de espectáculo de variedades. Irene  con esta consigna familiar siempre «inventaba su forma de hacer las cosas» de soltera puso  la primera boutique de Los Mochis junto a una amiga  y recién casada, abrió la primera tienda de alimentos vegetarianos de la ciudad.

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Vista frente de un diseño de Irene Pulos

Al quedar viuda y con dos hijos pequeños. en 1976  Irene se vio obligada  a salir de Sinaloa y buscar en Guadalajara la forma de mejorar su situación, laboró, primero, en el Hotel Fénix y después, en el Hotel Las Pérgolas, en el área de alimentos y bebidas, en una ocasión  declaro.

Ese trabajo de hotelera me dio el contacto con los extranjeros y el deseo de sacar un producto digno y de calidad, que fuera un atractivo más para los turistas.

Inclinándose por la creación de una línea de ropa mexicana.

vista lateral Irene Pulos
Vista lateral de un diseño de Irene Pulos

Su primer taller fue la sala de su casa, con dos ayudantes y sin conocimiento de la materia,  Irene hacia de todo, menos bordar y coser. Fue tanta la pasión en su trabajo que el éxito no se hizo esperar. Una tienda de Ajijic, en la ribera de Chapala, sirvió como escaparate inicial para sus modelos y a partir de Ahí, vinieron los pedidos de mayoreo:

Fue algo muy sencillo, pues la ropa abrió su propio mercado, sin tener que salir a vender ni tener que tocar puertas.

En 1980 Pulos tenia su taller y boutique en una hermosa casona de Tlaquepaque,  ahí fue  donde encontró todos los elementos para dar forma a sus diseños los telares, las bordadoras y sobre todo, un ambiente de creatividad sin igual, ademas de viajar por todo el país para conocer mas acerca de la indumentaria tradicional y de esta forma dar mas sentido a sus diseños, llego a exportar  el 60% de su producción, sus colecciones eran de  de 22 a 30 modelos que, al momento de su lanzamiento, ya tenían compradores en Estados Unidos, Hawai, Alemania, Italia y Australia. teniendo como clientes a las familias Kennedy o Kissinger.

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Vista trasera de un diseño de Irene Pulos

Con  la caída del turismo y la crisis de los 90’s  cerro casi todas sus tiendas, menos la de Tlaquepaque y  su taller. Logro mantener su prestigio gracias a que damas mexicanas de cierto nivel cultural y económico se identificaron con sus modelos y empezaron a usarlos. Con esto por fin  el nombre de Irene Pulos era reconocido en su tierra:

Fue maravilloso ver cómo las señoras que antes decían que no se iban a poner ese tipo de ropa, porque nada más les iban a faltar las plumas, notaron el impacto que causaban con ella cuando la usaban para recibir a visitantes internacionales o para  acompañar  a sus esposos en convenciones en el extranjero.

 

Con el tiempo y las diversas crisis Irene se vio obligada a cerrar definitivamente su taller y abrió un restaurante en 1992 llamado «Casa Fuerte» en Tlaquepaque.

Y si se preguntan, de quien es el hermoso Kaftan de las fotos … Es una creación de Irene Pulos en los #80s inspirada en los huipiles Chiapanecos, y por supuesto que esta a la venta. 😉

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Etiqueta de los diseños Irene Pulos en los 80’s se puede apreciar las indicaciones de lavado en ingles, determinando que la mayoría de sus consumidores finales eran extranjeros.

 

Feliz tarde a todos  y besos vintage. <3

 

 

 

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La reina del demodé….. Sonia Rykiel.

Nuestro diseñador de esta semana se relaciona con una noticia, de esas  que uno nunca quisiera escuchar, pero el  pasado 25 de Agosto,  dio inicio a una Leyenda:

 Sonia Rykiel.

Nacio el 25 de mayo de 1930 bajo el nombre de Sonia Flis, de origen judío. Su madre era una ama de casa rusa y su padre era un relojero Rumano.  Trabajo como escaparatista en La Grande Maison de Blanc, a la edad de 17 años. En 1953 se casó con Sam Rykiel, propietario de una tienda de ropa, con el cual tuvo dos hijos, Nathalie y Jean-Philippe.  Sigue leyendo La reina del demodé….. Sonia Rykiel.

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«La artista italiana” Elsa Schiaparelli.

Hace muchos años existió una mujer que compitió vs  Gabrielle Chanel en el mundo de la alta costura, no era una gran costurera, no trabajo en alguna sastrería como lo hiciera Chanel, al contrario ella pertenecía a la aristocracia italiana y no tenía necesidad alguna de trabajar. Pero ella llevo la alta costura a otro nivel, clasificándola como arte.  Nuestro diseñador de esta semana  y una de mis favoritas es:

Elsa Schiaparelli Sigue leyendo «La artista italiana” Elsa Schiaparelli.

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Charles el pionero.

¡Tengan todos, un feliz lunes de diseñador vintage!  

Nuestro diseñador de esta  semana, es  del siglo XVIII  y uno de los más importantes en la historia de la moda, por el simple hecho de ser quien creo la alta costura… ¿Será  Madame Vionnet? ¿Madame Grès? ¿Paul Poiret? ¿Chanel?

Por ahí cerca, pero hablamos de:

Charles Frederick Worth

Nació el 13 de octubre de 1826  en Reino Unido, con una infancia llena de bajos recursos obligaron a Charles  a trabajar a sus 13 años en el almacén  Swan & Edgar de Londres como cortador de sastre y en 1845 se mudó a París  para trabajar en Gagelin como ayudante de sastre, estos dos trabajos fueron la fórmula mágica en los diseños de Charles. En 1958  junto a su socio Bobergh  abre su propia casa de moda en la Rue de la Paix 7 y en 1870 emprende en solitario.

 ¿Pero porque Charles es el padre de la alta costura?

En esa época la ropa a la moda solo podía adquirirla las personas de un alto poder adquisitivo y solo los sastres elaboraban la ropa de acuerdo a la moda impuesta por los monarcas y el gusto del cliente, pero Charles se adjudicó este honor por ser pionero en firmar de sus diseños, como si fuera una celebridad. Además  fue el primero en crear una nueva colección cada año,  lo que  en ese momento era una novedad. (Actualmente eso es obsoleto)

Charles Worth
Charles Worth

Charles Worth, impuso sus sencillos diseños en la sociedad parisina, las principales características en sus diseños eran la crinolina reducida y la falda con caída plana por la parte delantera, llevando  ese  sobrante y excesivo volumen de tela  a la parte trasera del vestido.

La palabra modisto se creó especialmente para calificar a Worth, quien consiguió unir la técnica de corte inglés  y agregando la elegancia propia de los franceses.

Espectacular vestido de seda y terciopelo creado por Charles
Espectacular vestido de seda y tafeta creado por Charles

Y después de esos maravillosos inventos llegaron sus más grandes admiradoras… las dos emperatrices Isabel de Baviera y Eugenia de Montijo, la esposa de Napoleón III. Ambas se hicieron retratar para la posteridad luciendo diseños en seda y tul bordados en oro de Worth.

El precursor del vestuario de la belle époque, creo la indumentaria de la femme ornée o la «mujer adornada» su  idea era crear un reloj de arena con las curvas de la dama: frágil cintura y exuberante parte superior e inferior. El cuello, alto, estrecho y rígido, obligaba a erguir la cabeza, mientras que los sombreros, algo inclinados y de anchas alas, se decoraban con pesadas plumas de avestruz. Las faldas llegaban hasta el suelo y se ensanchaban en las caderas, cayendo en forma de campana. Su parte posterior estaba decorada con pliegues y rematada con una pequeña cola. Los zapatos y botines eran puntiagudos y se sostenían sobre medios tacones barrocos. Los complementos imprescindibles eran las medias de seda negra, los guantes ajustados y la sombrilla, que servían para preservar el tono blanco de la piel.

Capa de terciopelo y encaje frances, creada por Worth.
Capa de terciopelo y encaje frances, creada por Worth.

La carrera del diseñador fue muy corta y fallece el 10 de marzo de 1895, heredando a sus hijos Gastón y Jean-Philippe, su legado de alta costura.

Feliz semana y besos vintage. 😀