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la Magia textil de Leonora Carrignton

Recuerdan que hace una semana les platique de la  Exposición México Textil.

En ese mismo viaje aproveche para disfrutar de la exposición Leonora Carrington cuentos mágicos.. y me dirán ¿Esto que tiene que ver con el vintage?… Pues tiene mucho que ver…

Leonora comenzó a pintar desde muy joven, pasando por varios estilos, técnicas y  su temática siempre alentaba el empoderamiento femenino, pero al llegar a México ella  sentía que había llegado a su verdadero hogar.

En este amor por México, ella desarrollo una serie de tapices junto a los artesanos de Chinconcuac entre los años de  1950 y 1970, todos ellos llenos de su propia cosmovisión surrealista derivada de las leyendas irlandesas, judías, mexicanas, entre otras

Todos están elaborados en lana con la técnica de telar de pedal y como diferenciar el año, entre uno y otro fácil…el material con los que están hechos los detalles puedes identificar cada década, así como  las firmas de la artista.

Tapiz de Lana 1960


de mis favoritos elaborado en 1950
vean los detalles den tejido de lamé en el tapiz

 

 

Mi favorito, todo el cuerpo gris de esta figura fantástica es de lamé
simplemente sin palabras los detalles.

Espero disfrutaran de estos textiles. <3

nos vemos la próxima semana, para otro cuento vintage.

Yohana Diaz.

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Exposición México Textil.

Semanas  atrás  visite de manera exprés la Ciudad de México para deleitarme con la exposición México textil en el Museo de Arte Popular.

Lo impresionante de esta exposición es la cantidad de textiles e indumentaria histórica del país reunida en un solo lugar, aproximadamente eran 300 piezas y cada una de ellas representando diferentes décadas, regiones y usos.

La primer parte se centra en la sublime indumentaria eclesiástica del siglo XIX de estilo neoclásica elaborada en sedas de terciopelo y brocados, bordadas en hilo de oro y plata.

Casullas de seda del siglo XIX, bordadas con hilo de plata.
Frontal de altar del siglo XIX realizado en terciopelo de seda y bordado en hilo de plata & oro (Esta pieza es propiedad del acervo histórico del país y esta resguardada en la catedral metropolitana de Cdmx)

La segunda y mayor parte de la exposición se centra en la indumentaria indígena, aquí nos explican las diversas técnicas de elaboración, teñido, regiones y décadas de cada una de estas valiosas piezas, así como la evolución que han tenido por medio de re-interpretaciones como las del maestro Ramón Valdiosera y Beatriz Russek.

 

Estas dos fotos son de una impresionante colección de blusas y huipiles, correspondientes a Oaxaca, Chiapas, Puebla, Estado de México y Tlaxcala.

Huipiles pertenecientes a diferentes regiones de Oaxaca y Chiapas.

 

 

Una tabla que explica los diferentes materiales naturales que utilizan para teñir el algodón, la lana y seda, así como las diferentes tonalidades que se obtiene de cada uno.
Colección de Quexquémitl, elaborados con telar de cintura de las regiones de Hidalgo, Puebla, Estado de México y Jalisco.

 

Traje de Acateca, la blusa esta elaborada en satén de seda, con bordados de hilo de algodón, enredo tejido en telar de cintura con bordados de hilo de seda. Fue hecha en Guerrero
Detalle del bordado con hilo de algodón y lentejuela.
Detalle del bordado del enredo.

 

Reinterpretación de un huipil maya por Ramón Valdiosera

 

Bocetos de Ramón Valdiosera para diferentes películas de la época del cine de oro en México.

 

Diseño de Beatriz Russek elaborado en telar de cintura, inspirado en la cosmovisión de Amuzgo.

 

Mi favorito, huipil de Amatlán de los Reyes Veracruz, elaborado en telar de cintura de Algodón con brocado de seda.

 

Espectacular detalle del brocado de seda.

 

Lo impresionante de esta parte de la exposición es el presenciar la diversidad de indumentaria que existe en el país, las diferentes técnicas de elaboración como el telar de cintura y la implementación del telar de pedal a partir de la llegada de los españoles.

La cuarta parte de esta exposición nos explica las re-interpretaciónes  y la adaptación en la actualidad de la indumentaria tradicional, de la mano de diseñadoras como Beatriz Russek, Carla Fernández, Yakampot, quienes se caracterizan por trabajar directamente con las artesanas.

Reinterpretacion de varios Quexquémitl y de huipiles diseñados por Carla Fernández, Yakampot .

La quinta y ultima parte vemos algunos ejemplos de como en la actualidad las grandes firmas de diseñador y el fast fashion  (Pineda Covallin, Carolina Herrera, Zara, Mango, Rapsodia) se han dedicado a plagiar de forma voraz las cosmovisiones de las comunidades indígenas del país.

Blusa de Rapsodia «inspirada» en el diseño de San Antonino Oaxaca, Blusa de Isabel Marant «inspirada» en Santa María Tlahuitoltepec, Falda «inspirada» en los bordados de Tenango de Doria.

Si amas la historia, la indumentaria tradicional y la alta costura, definitivamente te recomiendo esta exposición que estará en el Museo de Arte Popular hasta el 02 de Septiembre.

¡Nos vemos la próxima semana!

Besos vintage, Yohana.

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Jantzen.

La historia  de la firma Jantzen es hablar de la historia del traje de baño , esta firma  nació en la ciudad de  Portland como «Portland Knitting Company» y fue creada en 1910  por John A. Zehntbauer, Carl C. Jantzen y CR Zehntbauer. En sus primeros años fungieron como una tienda minorista que se dedicaba a la elaboración  de Sweaters, guantes y calcetines de lana gruesa.

En 1913, un miembro del Portland Rowing Club entró en la tienda y pidió se elaboraran de forma exclusiva  trajes de baño  de «punto de costilla», (es la puntada utilizada en los puños de los suéteres) y que fueran aptos para el frío de la mañana al remar en el río Willamette. El resultado de este experimento, fue una prenda que pesaba un poco mas de tres kilos al mojarse.

Poco tiempo después, la compañía creo una  versión más liviana la cual se convirtió en el prototipo de los primeros trajes de baño, elaborado  en lana 100% virgen este atuendo incluía una gorra, medias a juego y a veces, una capa de lana. La demanda se hizo popular y marcó un punto de éxito para la joven empresa.

En 1918 crearon el popular  traje de baño unisex muy popular y la compañía cambió su nombre a Jantzen Knitting Mills.

En 1920, se agregó un logotipo al traje de baño: «The Red Diving Girl «. Esto se convirtió en el sello de Jantzen  y conforme cambiaron los estilos, también lo hizo la chica del traje de baño rojo. ( esto siempre nos dará la pista de que en año fue creada la pieza de Jantzen).

En 1921, Jantzen publicó sus primeros anuncios en Vogue y Life  estos fueron ilustrados por artistas prominentes como Coles Phillips y Anita Parkhust.

En la década de 1930, Jantzen Knitting Mills fotografió a estrellas de cine como Ginger Rogers y Johnny Weissmuller vistiendo sus trajes de baño. En 1931 se creo una extensa campaña publicitaria  donde se apoyaron  de los artistas de ilustración Pin-up-girl  George Petty y Alberto Vargas, quienes crearon la última figura icónica femenina: clásica, aerodinámica, de piernas largas.

En 1940 introdujeron una línea de ropa deportiva. Durante la mitad y finales de la década de 1940, Louella Ballerino hizo colecciones para Jantzen. En 1954, la compañía cambió nuevamente su nombre, esta vez a Jantzen Inc.

Durante la Segunda Guerra Mundial, las líneas regulares de productos fueron interrumpidas ya que Jantzen fabricó artículos militares para apoyar el esfuerzo de guerra, incluidos suéteres, bolsas de paracaídas, sacos de dormir, portadores de máscaras de gas y trajes de baño.

En 1956 «The Diving Girl»  usaba un traje sin tirantes para estar con los cambios de la moda femenina.

A mediados de la década de 1960, la compañía desarrolló su linea de ropa deportiva. La compañía se hizo pública en 1970, y diez años más tarde fue comprada por Blue Bell. Actualmente Jantzen  produce trajes de baño y ropa deportiva hoy como parte de Perry Ellis International, Inc.

 

Besos vintage y nos vemos la próxima semana.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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La historia del fur.

«Este articulo no es para ti, si en estos momentos eres pobre.»

Así inicia del articulo «The fur history 1929» de la revista Vogue, donde se fomentaba en esa década la importancia y uso de artículos de piel animal en ese mismo articulo la revista da el siguiente consejo

«Puedes salir sin joyas, dinero o ropa de diario, pero nunca escatimes en el fur. Porque este revelará a todos el tipo de mujer que eres y el tipo de vida que llevas».

Recordemos que el uso de pieles data desde la antigüedad, cuando era utilizada para cubrirse antes de que el hombre fuera sedentario y pudiera crear textiles, con el asentamiento de los  pueblos antiguos y la creación de textiles naturales, las pieles pasaron a ser uso exclusivo de la alta élite o la realeza siempre como indicativo de estatus ( e incluso había leyes que prohibían su uso no oficial)

Esta tendencia continuo  hasta 1900 cuando las estrellas de Hollywood  y la burguesía de la época comenzaron a utilizarlo indiscriminadamente, como el máximo símbolo de poder y riqueza.

A partir de ese entonces el uso de pieles inicio una carrera meteórica en ascenso, todos querían tener un abrigo o articulo de piel. Estos eran utilizadas prácticamente en todo tipo de ropa así como también la cantidad de animales utilizados era indescriptible, siendo los favoritos: gorila, mink, leopardo, zorro y chinchilla. .

En 1948 The National Geographic  publico el articulo «The Romance of American Furs» de Wanda Burnett donde describe,  el excelente negocio que era tener una granja de esta índole en esas décadas, así mismo su importancia para evitar que cazadores  furtivos pudieran hacer negocio. y como la industria de la moda  totalmente de la mano del  «new look»  fomentaba su uso.

Este romance vio sus últimos días en 1970 cuando estos abrigos de piel se transformaron en objeto de activismo  en pro de la defensa de los animales y en 1973 se firmo la «Ley de animales en peligro de extinción». En los 80s la aparición de PETA y la aparición  de  personajes como Naomi Campbell, Brigite Bardot en sus campañas, inicio la concientización  contra el uso de pieles en la industria de la moda, esta es una lucha que aun sigue activa, mientras hay personas que defienden el uso de pieles provenientes de  granjas, hay quien repele en su totalidad el uso de estas y opta por fur sintéticos.

Al final, tu decides que es lo que utilizaras y en caso que decidas utilizar pieles reales o falsas, por favor que estas sean vintage, ambas opciones ayudan al planeta.

Besos Vintage  y nos vemos la próxima semana.

 

 

 

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La historia del fake fur o «piel falsa»

  «Las chicas jóvenes no sueñan con un abrigo de piel como una imagen de lujo» Suzy Menkes

Tras siglos de la falsa creencia que los materiales raros como las pieles, elevaban el autoestima y que por ende solo las personas de alto poder adquisitivo podían adquirirlas. En 1910 llego la novedad de la piel falsa, la primer en ser imitada fue la piel de Astrakhan, esto significaba que cualquier mortal podía  adquirirla y  sentirse  de la alta sociedad, sin adquirir una piel genuina. Los periódicos de la época exclamaban «Los altos precios de las pieles reales y la excelencia de las pieles textiles  han contribuido a  engrandecer esta nueva tendencia»

En sus inicios la piel textil  estaba hecha de tela de pelo, con una técnica de bucles de hilo que se usaba para crear pana y terciopelo. Entre 1919 y 1928,  los Estados Unidos impusieron un impuesto del 10 %  sobre la piel real como parte de las medidas pro guerra, lo que fue una gran ayuda para los fabricantes de piel textil, algunos tenían tantos pedidos que cerraron temporalmente.

En 1924  un experto en pieles textiles declaro al Times «Cada vez que un pelaje se pone de moda, el comercio busca un sustituto, porque la chica de la Sexta Avenida quiere parecerse a la mujer de moda de la quinta, y debemos ayudarla a encontrar el camino».

Conforme mejoró la tecnología, se pudieron crear nuevas impresiones en seda las cuales imitaban al Leopardo, la gacela pero no fue hasta  1948 cuando se pudieron replicar de algunos de los mas grandes pedidos Vison, Castor, Chinchilla, armiño y poni. Eran tan buenas eran estas imitaciones  que solo se podían descubrir si eran falsas  al tacto.

En ese entonces la piel falsa era mucho mas que una alternativa barata,  era una forma de burla al reino animal,  las editoriales de revistas como vogue, abundaban modelos con telas brillantes y afelpadas, que ya no se asemejaban a animales reales.

En 1965  se inicio la lucha en contra del uso de piel real, en 1968, miembros de Sociedad Audubon se manifestaron frente a la tienda de moda de lujo Saks Fifth Avenue, en contra del uso de pelaje de animales en peligro de extinción. esto fue en aumento los siguientes años cuando los activistas ampliaron sus misiones para incluir el bienestar general de los animales y no simplemente su conservación en la naturaleza.

 La industria de la piel falsa vio nuevamente una oportunidad en los años 70, EF Timme & Son, lanzó una campaña publicitaria que atacaba a la industria peletera.
En la actualidad, la industria  de la piel falsa vive uno de sus mejores momentos, por la gran variedad de técnicas que permiten simular una piel natural, sin lastimar a un animal.
¿y tu  cual prefieres?
besos vintage y nos vemos la próxima semana.

 

 

 

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Bonnie Cashin la creadora del chic-sport.

Practicidad, elegancia, e innovación, son las palabras que se vienen a la mente cuando veo una creación  de Bonnie Cashin, una de las mas grandes diseñadoras de moda, que ha sido olvidada en la historia.

Esta historia nace en California en el año de 1908, hija de una modista la cual tenia una serie de tiendas de corte y donde trabajo como aprendiz. En su adolescencia fue ilustradora de moda y diseñadora de vestuario de baile.

En 1937, la editora de Harper’s Bazaar Carmel Snow, admiraba los vestuarios teatrales de Cashin y le animó a trabajar con el fabricante de abrigos Adler y Adler. En 1942 diseño los uniformes de defensa civil de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, Cashin se sintió atrapada por las restricciones de los uniformes  y regresó a California donde firmo un contrato de seis años como diseñadora de vestuario para Twentieth Century-Fox., creando moda y sueños para los personajes femeninos de mas  de sesenta películas.

En 1949 regresó nuevamente a Nueva York a trabajar con  Adler y Adler, en 1950 gano el premio Neiman Marcus y el Premio Coty Fashion Critic.  Apesar de  estos logros ella estaba realmente Disgustada, por el control que  sus jefes tenían sobre su creatividad, decidió desafiarlos trabajando con múltiples fabricantes y diseñó una gama de ropa a diferentes precios, siempre pensando en la mujer moderna y activa.

En 1953, se asoció con el importador y artesano de cuero Philip Sills e inició su etapa del uso del cuero para la alta costura, ella declaro en varias revistas que su momento favorito era cuando se adaptaban los patrones planos y gráficos de la ropa asiática y sudamericana a la vida global contemporánea. gracias a ella, podemos disfrutar  de las capas infinitas de ropa, cosa que en la actualidad es de lo mas normal, sus prendas se acomodaban fácilmente una dentro de otra, estas se adaptaban fácilmente a diferentes temperaturas o actividades al ponerse o quitarse una capa. su objetivo era crear un vestuario flexible para su propio estilo de vida, en el que los cambios estacionales  estaban a solo un viaje de avión.

No solo fue famosa por el uso del cuero en la alta costura también se hizo conocida por mezclar telas y texturas, como cuero con tweed o mohair, y gamuza, sus piezas estaban llenas de cierres nuevos e interesantes: cierres con correa de perro, cierres corbatas, broches en lugar de las cremalleras, botones habituales, bolsos con entradas dobles, bolsos de mano integrados en las prendas y ganchos para cambiar fácilmente la longitud de una falda.. su ropa  y accesorios siempre fueron diseñados pensando en la practicidad de uso:

En 1962, Bonnie Cashin fue contratada por Coach. ella aplicó algunos de los mismos principios que usó al diseñar la ropa, sus bolsos eran para la mujer moderna. Ella usaba cueros brillantemente teñidos y muchos llevaban carteras. También hizo accesorios a juego, como carteras, y como lo hizo en su ropa, usó cierres, colores vivos, correas anchas, monederos adosados, cremalleras industriales y las famosas y resistentes perillas de latón, esto continuó hasta 1974.

Cashin se retiro en 1985, para dedicarse en la pintura y la filantropía, murió en Nueva York el 3 de febrero del 2000.

Su fino trabajo es el reflejo de  la mente de una mujer  innovadora e influyente.

«Me gusta diseñar ropa para la mujer que desempeña un papel particular en la vida , no solo es diseñar ropa que sigue una cierta tendencia, o que expresa una nueva silueta »

Nos vemos la próxima semana, besos vintage,

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La ilusión, al estilo Hermès.

Corría  el año de 1952 cuando la Hermès creo un hito en la moda con la colección «trompe l’oeil » (ilusión óptica) 

La idea era fácil de realizar, solo bastaba simular con pintura botones, cuellos, pañuelos y bolsas, lo difícil era lograr que esta ilusión se ajustara  perfectamente al cuerpo.

La primera en coquetear con esta idea fue la italiana Schiaparelli  con su sweater de doble punto el cual simulaba un cuello con moño al frente, todo siempre elaborado con el mas exclusivo arte de la alta costura.

Pero Hermès logro lo que Schiaparelli no pudo, darle la sencillez y fluidez  para que este diseño pudiera ser utilizado por las masas, logrando que miles de mujeres en todo el mundo los usaran como parte de su vida diaria y que actualmente sigue mas vigente que nunca.

Espero disfrutes de este deleite visual: 

 

 

 

Fotografías cortesía de los archivos de la revista «Life»

 

¿Cual de todos usarías tu?

Nos vemos la próxima semana, besos vintage.

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Las hermanas Callot, las reinas de la alta costura.

“Sin las enseñanzas de las hermanas Callot, yo seguiria haciendo Fords en vez de Rolls-Royces”

                                                                                                                   Madeleine Vionnet

Imagina crecer en un ambiente lleno de arte, diseño, antigüedades y encaje, esa  fortuna la tuvieron las hermanas  Marie, Marthe, Régine y Joséphine Callot  quienes fueron unas de las mas reconocidas diseñadoras del 1985 hasta 1937.

Totalmente adelantadas a su tiempo estas hermanas abrieron una  casa de diseño de moda en París en 1895, en el número 24 de la Rue Taitbout de París, la modernidad de sus propuestas, unida al virtuosismo artesanal de su fabricación consagro rápidamente a la hermanas y a su marca: “Callot Soeurs” como las reinas de la alta costura.  en 1900 su maison tenia alrededor de 600 empleados.

Los espectaculares diseños creados por Callot Soeurs recordaban el estilos del siglo XVIII y estos generalmente estaban elaborados en tul de colores pastel, telas antiguas, encajes, brocados ricos e inspiración asiática. Ellas fueron las pioneras en el uso de  plata y oro, ademas de especializarse en el diseño de vestidos de noche, capas, ropa de día y lencería femenina.

En 1914, las hermanas crearon el vestido camisero y se involucraron en «Le Syndicat de défense de la grande couture française» donde recomendaron a los miembros  poner controles para proteger sus diseños originales de los falsificadores, así mismo propusieron que los diseñadores debían de fechar sus etiquetas.

En 1916, introdujeron en su colección una capa que denominaron «Le Roi de Bacchante». Esta lujosa capa, fue creada en seda color vino con hilos metálicos de diferentes colores, este diseño fue muy elogiado por el The New York Times.

En 1920, presentaron el «manteau d’abbé»  que era una capa corta para usar con abrigos y vestidos de noche. También crearon los abrigos inspirados en Rusia llamados  «Petrogrado» y «Gran Duque Nicolás.» En esa misma década  la firma Callot fue una de las principales casas de moda en París que atendía a una exclusiva clientela estadounidense y europea, ademas de abrir sucursales en Niza, Biarritz, Buenos Aires y Londres..

También fueron famosas por crear lencería en fina seda adornada con encaje exquisito y delicado, cintas y ramos de flores de seda.

En 1926 los costosos diseños de la casa ya no atraían a las mujeres modernas. No pudieron competir con los nuevos diseños de modistos como Chanel. En 1928, Pierre, el hijo de Marie, se hizo cargo del negocio y en 1937, la Maison fue comprada por  Calvet, esta ultima siguió expandiéndose a lo largo de los años y formó asociaciones con Hermes, Rochas, Patou, Jaques Fath, Balenciaga, Nina Ricci y otros.

¿Listos para enamorarse de sus diseños? 

Fotografías cortesía del museo MET

 

Así de fascinante fue la vida de  estas hermanas, que dedicaron su vida a al hermoso arte de la alta costura.

Besos vintage, hasta la próxima semana. <3

 

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El Legado

¿Recuerdas los primeros objetos que añorabas en tu infancia? Te cuento que los míos eran 3:

  • Una máquina de coser Singer de 1950
  • Un vestido café de lunares beige de 1950
  • Una capa de lana doble vista con estampado de tartán en color gris de 1960

¿Será casualidad que  todo tiene que ver con ropa? Creo que no…

La máquina de coser de mi abuelita, fue mi favorito desde muy pequeña, en ella podía verter toda mi imaginación,  fue mi barco, tren, escondite de lectura, bunker ilimitado de curiosidad al momento de abrir esos misteriosos cajones. Hasta la fecha sigue siendo para mí el objeto más fascinante, siempre he dicho que cuando tenga hijos haré su ropa con esa máquina e indudablemente me encantara pasar a mis herederos esta pieza.

Otro de mis objetos favoritos de infancia era ese hermoso vestido café de lunares que mi abuelita utilizo en su juventud, este parecía estar hecho para una princesa, de falda triple circular, sin mangas, cintura pequeña, cierre en la espalda, con un frente sencillo pero elegante, creado en el más suave algodón que mis manos han tocado, simplemente la perfección hecha vestido, espero algún día encontrarlo y poder usar  esa pieza con la que mi abuelita se veía radiante en su juventud y a un costado de este vestido de ensueños en el mismo ropero se encontraba la capa mágica, siempre me pareció ideal para salir a luchar con estilo y al mismo tiempo te hacía sentir como miembro de la realeza,  desde niña caí rendida ante la sencillez y belleza de esta pieza y he de admitir  que nunca visualice como la portaba mi abuelita  porque ella es  pequeña y la capa es un poco grande, lo que si imaginaba era lo poderosa que podía ser con ella.

Pasa el tiempo, creces pero las memorias de la infancia siempre se quedan en tu alma y cuando vez nuevamente esos objetos que te hacían soñar, tu corazón late al 1000 x hora, de la emoción de tener nuevamente entre tus manos esas piezas que han sobrevivido al paso del tiempo, que llenaron tu niñez de dulces historias y sientes que una parte de ti ha regresado… Así tal cual fue lo que me sucedió con esa capa gris, con la diferencia de que ahora que soy adulta  puedo hacer realidad ese sueño de salir con ella a luchar y ser sofisticada al mismo tiempo.

Mi abuelita por supuesto está feliz de que yo tenga esta joya familiar, porque esto va más allá de heredar un simple objeto, es el poder transmitirme sus experiencias de juventud, su sabiduría, su calidez y amor; así mismo de esta forma yo estaré feliz de poder pasar esta pieza a mis hijas, porque de esta forma les transmitiré  el amor y sabiduría de su bisabuela, su abuela y que su madre tienen para ella.

Por ello siempre es importante tener presente que legados dejaras en tu viaje por la vida,  porque el saber que tienes ese algo  del pasado que marco tu infancia y que representa el amor de tu historia familiar, es sin duda alguna la forma más bella en que las nuevas generaciones contacten sus raíces.

¿Quieren saber cómo es la capa mágica? Aquí te la presento.


 

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La historia del print de leopardo.

Para usar leopardo tienes que  tener un tipo de feminidad sofisticada, si eres justa y dulce, no lo uses… Christian Dior

Elegante, sofisticado y símbolo de poder, el estampado de Leopardo es definitivamente la tendencia  más perdurable y re-interpretada de los últimos años.

Se dice que esta leyenda inicio en 1925  cuando la actriz estadounidense Marian Nixon  alardeo y camino por las calles con un leopardo real como si fuera su accesorio. Años más tarde,en los 30’s, en el taller de París perteneciente a Barone Christoff von Drecoll, dirigido por Meussieur Besancon de Wagner, creó un traje de seda dorada… Pantalones odeliscos, combinados con una chaqueta de piel de leopardo, en esa misma década  Jeanne Paquin, una de las grandes diseñadoras de la década, su sello principal era el uso excesivo de fur en sus colecciones, ella diseño un abrigo de leopardo. En los 40s, las hermanas Callot Soeurs crearon un vestido de día con un gran cuello de leopardo e incrustación de pieles en los bolsillos, en esa misma década, Bettie Page escandalizo al mundo utilizando un traje de baño de leopardo.

Abrigo de la diseñadora Jeanne Paquin de 1940.
Marian Nixon interpretando nuevamente su glorioso paseo con un Leopardo

Pero el autentico hit del leopard print fue hasta la colección primavera-verano de Christian Dior en 1947 Donde se utilizó por primera vez como estampado y no solo la piel, los protagonistas fueron el vestido de día llamado Jungle y el vestido de noche llamado Afrique .Dior también utilizaba pieles de leopardo para los puños grandes en  los abrigos de terciopelo, sombreros o ropa. En los 50s Roger Vivier  creo una impresión semejante a un leopardo en el satén en tonos de azul brillante, con zapatos y bolsos a juego.

Zapatos de Roger Vivier en 1950
Presentación del vestido Jungle de 1947 de la casa Dior

 

Adrián, el diseñador de vestuario de MGM  en 1951 creó un vestido de lamé con estampado de leopardo. Ese mismo año Balmain, creó la total apariencia en piel: pantalones, chaqueta y botines. En ese entonces el usar leopardo era sinónimo de gran sofisticación y elegancia.  En las décadas de los 50s y 60s  las estrellas de cine como Ursula Andress y Brigitte Bardot  eran fieles seguidoras de esta tendencia.

Diseño de Balmain 1950

 

De los  impresionantes abrigos de capa en los años 50, el leopardo se transformó en chaquetas con doble botonadura o pequeños abrigos en líneas finas y ajustadas en los años 60. Yves Saint Laurent, continuó utilizando la impresión en la Maison Dior y esta misma fue incluida en su colección YSL, que se hizo famosa por sus largas chaquetas de gasa y un abrigo de lentejuelas en 1964. En esa misma década Bob Bugnand, se hizo famoso por creaciones que incluyen un vestido de talle alto y bordado con lentejuelas formando un motivo de leopardo. Una vez más, el leopardo print fue el responsable del éxito de Roberto Cavalli  en los 70’s y  del inolvidable patchwork de mosaico de Christian Lacroix en los 80´s.

Diseño de Lacroix 1980.

En 1991 Se convirtió en la tendencia en prendas de punto gracias a Azzedine Alaïa, en esa misma década  fue utilizado por  Thierry Mugler  y se convirtió en la característica distintiva de Dolce & Gabbana en el 94, desde ese entonces todas las piezas  de la firma están forradas  con estampado de leopardo.

Diseño de Azzedine Alaïa en los 90s
Conjunto Dolce & Gabbana 90s

La idea de leopardo ha cambiado totalmente desde su concepto original, ha sido usado en accesorios como botas, zapatos, sandalias y bolsos en las colecciones de todas las líneas de moda que conocemos. Inevitablemente  con este abuso corre el riesgo de ser mal interpretado con textiles baratos y formas vulgares, el que fuera el rey del lujo y sofisticación ahora  se le considera barato o poco elegante, ademas de que  tristemente en la mentalidad colectiva, el leopardo sigue siendo sexy y no elegante.

Nos vemos en el siguiente cuento vintage y que tengan un excelente fin de semana.

Besos Vintage.